От Ребека Мартин.
Говорете за отваряне на консервна кутия с червеи. С излизането на книгата на Дженифър Хоманс Ангелите на Аполон , който очертава историята на балета, предизвика многобройни дебати за епилога, включен в края на книгата. В него Хоманс предполага, че балетът или е мъртъв, или умира. Подобно твърдение със сигурност ще вдъхнови отговор от страна на любителите на балета, танцьорите и студентите, независимо дали този отговор е мъдро кимване на съгласието или яростно опровержение.
„След години опити да се убедя в обратното - пише г-жа Хоманс, - сега съм сигурна, че балетът умира.“
Същността на аргументацията на Хоманс се фокусира върху идеята, че парчета като Джордж Баланчин Забавление No15 са станали тривиални и вече нямат способността да движат публиката. Въпреки че много произведения на изкуството не успяват да оцелеят във времето, в случаите на класически балет и съвременни балетни пиеси, които продължават десетилетия и все още се изпълняват и се радват и до днес, не е произведението, което е станало тривиално. Излагането на публиката на по-нови творби, по-голяма техника и по-впечатляваща постановка на постановки променя начина, по който гледаме на по-старите произведения. Хореограф, танцьор, балетен майстор и режисьор Робърт Кели казва: „Да кажеш, че балетът умира, е същото като да кажеш„ класическата музика е минало “или„ сюрреализмът е мъртъв “. Това е форма на изкуство с прекрасно наследство и богата история “. Всъщност, подобно на популярни песни или модни изявления, които бяха голям хит при пускането и сега са повод за подигравки и най-вече са забравени, много балетни пиеси ще бъдат възхвалявани при премиерата и също толкова бързо изхвърлени от паметта. Те ще станат датирани и банални. Не всяка продукция ще се превърне в класика, нито всяко изпълнение ще бъде запомнящо се.
Австралийският балет изпълнява The Prossibility Space от Николо Фонте. Снимка Джеф Бъзби
Артистичният директор на австралийския балет Дейвид Макалистър смята, че балетът е жив и здрав. „Има толкова много компании по света, които създават безброй нови творби, които изследват балетната техника и я използват по напълно нови и иновативни начини. Постановките от балетния канон от 19-ти век се актуализират и представят с помощта на технологии и техники на 21-ви век по начини, които инжектират нов живот за днешната публика. Младите танцьори все още се присъединяват към балетни класове по целия свят и танците се виждат от постоянно нарастваща публика благодарение на онлайн света на Facebook, блогове и Youtube. '
актьори, които могат да танцуват
Технологиите позволяват на по-малки проекти да излязат от земята, да получат експозиция и финансиране. Когато някога балетът се е възприемал като дейност за висшата класа и забавление за елита, балетните трупи достигат до по-младата публика и се движат в крак с времето. Въпреки това високите разходи за гледане на голяма балетна компания остават извън обсега на много семейства, студенти и възрастни.
Хоманс пренебрегва да насочи оценката си за жизнеността на балета към съвременните постановки, които очароват публиката, предизвикват танцьори и се изправят да повтарят изпълнения. Разбира се, рано е да се каже дали много, ако има такива, от тези парчета ще се превърнат в класика и ще осигурят дълголетие на формата на изкуството. Тя отхвърля съвременните творби направо като „гимнастически или мелодраматичен излишък“, което предполага, че само балетните пачки от старо време имат място в сегашния климат. Подобно мнение звучи ужасно много като същата критика, отправена към ранния рокендрол или революционната поема на Алън Гинсбърг Вой. Новаторското изкуство винаги ще има своите критици и винаги ще има елемент на приспособяване, докато танцът се движи напред. Най-добре го прави, отколкото да стои в застой и да избледнява в забрава.
Със сигурност балетът е структурирана форма на изкуството и може да има толкова много вариации, преди да спре да бъде балет, докато други форми на танци като хип-хоп или джаз могат да приемат много различни форми и да останат верни на произхода си. Това не е критика, а по-скоро наблюдение. Структурата на балета му позволява да остане последователна с течение на времето и няма да стане жертва на разпадане. След като казахме, че за да запазим нова и по-млада публика, която е изложена на толкова голям набор от медии за забавление, се интересуват от балет, от съществено значение е изкуството да обхваща технологията и да използва различните й форми, за да ангажира хората. С промяната на нагласите ни към забавлението, трябва да се развива и самото забавление. Макалистър вижда, че балетът продължава да „се развива и развива, за да отразява средата, в която живеем. Във всяко поколение има хора, които правят иновации и внасят нови идеи и нова енергия в балета. Техните творби допринасят за канона и техните шедьоври се превръщат в класика на бъдещето. Въпреки че е важно да поддържаме и представяме великите произведения от миналото, които са в основата на балета, също толкова важно е да развиваме и възпитаваме хореографите днес, за да запазим еволюцията на нашата форма на изкуство жизнена и жива! '
Джули Кент и Марсело Гомес от Американския балетен театър в Ромео и Жулиета. Снимка Розали О’Конър.
Балетните компании използват по-модно ориентирана реклама с ярки цветове, а острият прием на класическата традиция. Преди няколко години в балета на Сан Франциско на рекламните си плакати имаше изображение на двама танцьори, които се целуват в задната част на кабриолет. Много барове и магазини поставят плакатите, което за тях е първият танцов плакат, който някога са показвали. Танцьорите на австралийския балет често могат да бъдат виждани между страниците на модни списания, както и спортни и други публикации. Идеята е да се представят балетните танцьори като секси, жизнени и модерни, за разлика от остарелия образ на тях като задушни, едноизмерни и старомодни.
Въпреки това балетът все още има ограничения в този модерен климат. Както пише Сара Кийг от Washington Post, „паричните проблеми тежат върху балета като камък на врата му: заплати, наем, костюми, обувки, застраховки, музиканти, складове и т.н. Дългът е важен фактор във всички консервативни програми там. Но основният проблем е следният: балетът страда от сериозна липса на доверие, която само нараства все повече и повече парализира. ' Тя продължава да казва: „Няма нищо по-скучно от безопасно, хубаво изкуство. Нищо не се чувства по-малко актуално. Балетът трябва да мисли по-мащабно. Да, парите са тесни, но балетът тук си създаде проблеми, като се стреми към престиж на оперния театър без по-стабилните бюджети на европейските си колеги. За да оцелея в бъдещето, мисля, че обикновената балетна компания би се справила по-добре да намали размера си, да се стреми към вълнение, да разбърка гърнето - и да пусне балетите в цял ръст, които е по-добре да оставим на малкото по-големи и по-богати операции ”.
Алексей Ратмански репетира с балет в Ню Йорк. Снимка Пол Колник
Не всичко обаче е обречено и мрачно за любителите на балета. С хореографи като Twyla Tharp, Christopher Wheeldon и Alexei Ratmansky, изместващи границите на балета и създавайки произведения, които съчетават абстракция с класически линии, балетът остава жива, дишаща форма на изкуство. Очевиден пропуск от оценката на Хоманс за съвременния балет е американският хореограф Уилям Форсайт, който обърна балета на главата си в края на 20-ти век и предизвика технически танцьори и публика интелектуално.
Хората ни казват, че балетът е толкова важен и популярен, както винаги. Макалистър заявява, че аудиторията за австралийския балет нараства всяка година, като процентът на абонаментите е най-високият от началото на 90-те години.
Landestheater Coburg Ballet Master и международен танцьор Грифин Дъг предполага, че пулсът на балета е силен в Европа. „Виждам (балет) като единственото„ висше изкуство “, на което може да се разчита да се носят постоянни къщи. С изключение на добре познатите мюзикъли, танцовите програми обикновено са безопасен залог за театрални намерения. Къщите може да не се разпродават всяка вечер, но представления за представяне в продължение на сезон танцовите вечери продават повече места, отколкото други представления. За Макалистър обаче „не става въпрос само за номерата на местата (но) повече за това да предостави на членовете на публиката цяло балетно изживяване“.
Както отбелязва Дъг, балетът има важното предимство да бъде универсален език, който позволява на продукцията да пресича света без бариерите за комуникация. И както всички танцьори могат да свидетелстват, балетен клас може да бъде проведен на всеки език навсякъде по света с малко или никакво объркване. Езикът на танца е един и същ, където и да отидете. „От всички жанрове на живо, балетът е най-приспособим за промяна. Танцът се изпълнява лесно в големи и малки къщи, също в импровизирани и внимателно репетирани продукции. Танцът може да се изпълнява с пълен симфоничен акомпанимент, но се приема и от публиката с предварително записани саундтраци. Далеч от това, че е умираща форма на изкуство или форма на музей, изкуството танцува, е живо и здраво. Това е най-приспособимата форма на изкуството с най-широка публика. “
Самият балет е основата за всички други форми на танци. Джаз танцьор с класическа техника по-често превъзхожда някого без балетна подготовка и същото може да се каже за музикален театър, кабаре, кран и дори хип-хоп танцьори. С нарастването на популярността на танците благодарение на множеството телевизионни предавания, филми и филмови клипове, показващи широката привлекателност, разнообразие и умения на изкуството, балетът не бърза никъде.
Топ снимка: Аурели Дюпон и Ерве Моро от балета на Парижката опера. Авторско право Ан Дениау
препоръчително за теб
